Artikel: Swans

Stockholm, Strand, 8 maj 2011. Mannen framför mig verkar hänryckt, i extas. Om och om igen briserar hans rotunda kropp i våldsamma känsloyttringar; han lyfter armarna mot taket, stampar med fötterna, knycker på nacken.
  Fullkomligt normalt beteende.
  Att uppfyllas av mäktiga eldar under en Swans-konsert – en sådan som mannen och jag befinner oss på – är kutym. Deras musik är ju en gång så; långsamt och intensivt krälar den mellan motsatsförhållanden som mörker/ljus och primal/intellektuell. Inget med den är måttligt eller beräknande, tillbakalutat eller hänsynsfullt.
  Du lyssnar inte på Swans, du låter dig domineras av dem.
  De slår an sina strängar och du dansar, dansar som en nickedocka.
Continue reading

Artikel: Roll The Dice

Genom åren har mången musiker berett plats för slumpen – lyckträffar, tillfälligheter, det oförutsägbara – i sitt skapande.
  Om och kring 1951 började exempelvis allkonstnären John Cage komponera med hjälp av den kinesiska orakelboken »I Ching«. 1975 färdigställde Brian Eno och Peter Schmidt »Oblique Strategies«; en kortlek som kan användas till att bryta kreativa dödlägen…
  Hammarby Sjöstad, Stockholm. På restaurang Tezukuri Sushis uteservering sitter Peder Mannerfelt och Malcolm Pardon – Roll The Dice – och jag; medan vår mat tillagas har vi inlett en intervju.
Peder: Det är något speciellt med analogsynthar. Man kan aldrig vara riktigt säker på vad som kommer att hända när man kopplar ihop dem. Och det är ju lite vår grej, det är därifrån vårt namn kommer; vi kastar tärningarna och ser vad som händer.
Malcolm: Ja, det var lite så vi tänkte när vi började jobba ihop: ska vi göra något ska vi göra något som vi inte är vana vid. Och då är det ju bra att göra det med grejer som man inte kan kontrollera riktigt, grejer som kan överraska en.
  Genom åren har mången musiker berett plats för slumpen – lyckträffar, tillfälligheter, det oförutsägbara – i sitt skapande.
  Få har dock gjort det lika intelligent sorglöst och storögt målmedvetet som Peder och Malcolm.
Peder: Inledningsvis hade vi inga tankar på att göra en platta eller vara ett band. Vi delade bara studio och tänkte att det skulle vara kul att göra något tillsammans. Så vi gjorde en låt och den blev rätt bra och då fortsatte vi.
  I januari 2010 realiserade den Tulsa, Oklahoma-baserade etiketten Digitalis LP:n »Roll The Dice«; Roll The Dice debut, summan av ovanstående. Över dess sju spår – nio på CD-utgåvan som släpptes tre månader senare – tar Peder och Malcolm sina bångstyriga analogsynthar på resor till drömland som är både Tangerine Dream- och Cluster-minnande samt högst personliga. Ett mästerverk.
Malcolm: Att vi hamnade på just Digitalis var också en tillfällighet, de sökte upp oss.
Peder: John [Twells], som har Type Records och som jag känner lite grann, hade med en av våra låtar på ett mixtejp. Och så hörde Brad [Rose] på Digitalis den tejpen.
Malcolm: Vi har inte aktivt letat skivbolag och det är ett medvetet val.
Peder: Det som kommer kommer.
Malcolm: Förra hösten satt vi och tänkte »hm, vi kanske skulle spela in lite nytt material?« och precis då hörde Tony [Morley] från The Leaf Label av sig: »ni är grymma, vad håller ni på med nu, har ni något skivkontrakt?« »Okej, då är det dig vi ska signa med nu«, svarade vi.
  Sagt och gjort. Med Leaf i ryggen konkretiserade Peder och Malcolm sina tankefrön; arbetet med uppföljaren till »Roll The Dice« igångsattes.
Malcolm: Vår musik är något av ett soundtrack till en film som inte finns. Någon sa att »Roll The Dice« var lite träig i tonen och då fick vi bilder av nybyggare i skallen. Och det ledde till att vi helt plötsligt gick in i två nybyggar-karaktärer och det gjorde att vi lättare kunde skapa ljudvärldar om och kring dem. »Jaha, vad gör de då?« »Ja, du vet, de ska leta efter guld i USA.« Sedan dess har vi haft »Vad hände med de här snubbarna?« som röd tråd i vår musik.
Peder: Det gick inte så bra för dem.
Malcolm: Nej, nu har de fått anpassa sig till den moderna världen, det vill säga slutet av artonhundratalet, början av nittonhundratalet. När vi började arbetet på nya skivan tänkte vi därför »Om man skulle placera någon vid ett löpande band i en tidig fabrik – hur skulle det rummet låta?«. Det temat var det vi utgick i från. Men låtarna står sedan på egna ben, när de väl kommit till.
  Genom åren har många band försökt återskapa den magi – själen, glöden, det odefinierbara »det«:et – de frammanade på sin första skiva.
  Få har dock lyckats lika bra som Roll The Dice. »In Dust« – som deras andra album döpts till – är lika oändligt fascinerande och säreget krautig som »Roll The Dice«, samtidigt är den mörkare. Ett mästerverk.
Peder: Huvuddelen av all musik på »In Dust« är inspelad här i Hammarby. Ett tag var vi dock inne på att spela in den i Compass Point Studios på Bahamas, där Grace Jones och U2 spelade in alla sina hittar. Det kändes så jävla fel så vi tänkte att vi måste kolla upp den. Så vi mejlade dem: »vi har ganska dålig budget«. Vi fick inget svar.
  Tre välfyllda tallrikar – elvabitars sushi, bento och vegetarisk yakisoba – ställs ner framför Peder, Malcolm och mig respektive. De tystar vårt samtal.
  Mellan tuggorna märker jag att jag önskar att fler musiker kunde bereda plats för slumpen i sitt skapande.

Originalet till en artikel som publicerades i Sonic #59, hösten 2011

Artikel: Saint Vitus

Ifrågasättande av den rådande världsordningen. Avståndstagande från ängsliga modenycker. Alkoholberoende. Hatets mekanismer. Upptäckten att världen långsamt och systematiskt håller på att mördas. Insikten att helvetet är ens egen hjärna. Livet och döden.
  Vill du veta hur allt det ovanstående låter? Lägg ”Born too late” (SST, 1986), Saint Vitus tredje LP, på skivtallriken.
  ”Born too late” består nämligen av drygt 34 minuter doom i ordets alla rätta bemärkelser. Dess riff och tempon är Black Sabbath-inspirerade och utdragna till bristningsgränsen. Dess lyrik och röster berättar om ett ohälsosamt mörker. Dess allmänna attityd är punkigt kaxig. Dess ljudbild minner om daggvåt granit och varm rök.
  Med andra ord; ”Born too late” är ett fullkomligt mästerverk. Ett inspirerande universum. Ett måste i varje skivsamling. Ett praktfullt exempel på musikens makt.
  Men det är också ett alster som saknar en fullvärdig uppföljare.
  ”Mournful cries” (SST, 1988) och ”V” (SST, 1990) må visserligen nosa runt i dikena till vägen som ”Born too late” trampade upp. ”Die healing” (Hellhound, 1995) må visserligen ha inneburit en skön revansch efter det aningen oinspirerade Christian ”Lord Chritus” Lindersson-samarbetet ”C.O.D.” (Hellhound, 1992). Likväl…
  Nu, i nådens år 2012, är emellertid tre fjärdedelar av det Saint Vitus som skapade ”Born too late” – Scott ”Wino” Weinrich (sång), Dave Chandler (gitarr) och Mark Adams (bas) – samt nytillkomne trummisen Henry Vasquez (Blood of The Sun) aktuella med ”Lillie: F-65”.
  Den första nya Saint Vitus-plattan på sjutton år.
  Är det dessutom en Saint Vitus-platta som verkligen tål att sorteras sida vid sida med »Born too late«?
Continue reading

Pressrelease: Xenia Krisiin

På Pilbågsgatan 17 – staden Göteborg, stadsdelen Johanneberg – ligger Johannebergs Missionskyrka. Dess utsida är anspråkslös, stram, fridfull; gråa träväggar, vita knutar, brandgult tegeltak. Knotiga träd och vildvuxna buskar ramar in dess gavlar, gränsar av dess tomt. Ett vingligt cykelställ står parkerat utefter dess ena långsida.
  Här, måndagen den 2 juli 2012, segrade kärleken; stjärnor exploderade, himlar rämnade, hjärtan bultade, blod störtade, röster stämde triumfatoriskt upp.
  Här, måndagen den 2 juli 2012, spelade Xenia Krisiin, Johan Hjalmarsson, Henrik Magnusson och en tjugoen människor stark kör in låten »Hymn/Playing God«.
  »Hymn/Playing God« är en del av »Hymn«, Xenia Krisiins debutalbum.

1977, strax utanför staden Leigudun, upptäckte några soldater i Folkets Befrielsearmé en kunglig grav. 220 kvadratmeter, fyra rum; den utgjorde sista viloplats för markis Yi av Zeng (död 433 f.Kr.) och den hade skonats från plundring. Otaliga vackra föremål hade fått följa Yi i graven och nu såg de sålunda åter dagens ljus.
  Ovärderligt.
  Ett av föremålen som placerats bredvid Yis lackkista var en guqin; ett instrument med sju strängar, långsmal kropp och ett omfång av cirka fyra oktaver. Denna guqin är det första instrumentet inom cittrafamiljen som vi känner till. Denna guqin sålunda är rötterna, ursprunget…
  Cittran är en del av »Hymn«, Xenia Krisiins debutalbum.

Malin är ledsen, villrådig. Samtidigt som hon önskar att livet ska börja – nu! just nu! – vill hon inte lämna det välbekanta, det trygga. Dessutom börjar hon frukta att hon tappat förmågan att läsa av folks känslor; vänner hon hållit av har nyligen visat sig falska, personen hon trodde var intresserad av henne ringer aldrig, hennes föräldrar är sedan länge detroniserade.
  Så varje kväll, när huset omkring henne tystnat, klickar Malin i gång sin mp3-spelare. Dess skärm blinkar till – starka färger, starkt ljus – och snart börjar musik spela i Malins öron.
  Och genast blir allt bättre.
  Ty musiken talar till henne, fyller henne med styrka och mod, tröstar. Gång efter annan kan hon lyssna på den; aldrig tröttnar hon, alltid upptäcker hon något nytt i den. Den är ärlig, sårbar, kraftfull, omedelbar. Den bär drag av psalmer, gammal folktradition, jazz, pop, soul…
  Den är livet, döden och tron.
  Malin tar del av »Hymn«, Xenia Krisiins debutalbum.

För 26 år sedan – den 22 augusti, i Göteborg – föddes Xenia Kriisin. Hennes uppväxt präglades till viss del av musik – blockflöjtslektioner, musikutbildning på Hvitfeldtska gymnasiet – men det var först i tjugoårsåldern som hon på allvar började skriva egna låtar. Kanske är det detta förhållandevis makliga tempo som gett hennes toner sådana självständiga sinnesstämningar, sådana mångfacetterade beröringspunkter?
  Kanske?
  Uppenbart är i alla fall att Xenia Kriisins virtuosa blandning av röst, cittra och bas är en stor upplevelse. Uppenbart är i alla fall att Xenia – tillsammans med producenten/trummisen Johan Hjalmarsson, arrangören Henrik Magnusson och en skiftande kör – spelat in en skiva för både mig och dig.
  Ja, många beståndsdelar må utgöra det tio spår långa helhetsverket som är »Hymn«.
  Men den sista pusselbiten är du; din delaktighet, dina åsikter. Lyssna på »Hymn«; hör den där dagen i Johanneberg, hör cittran, hör vad Malin hörde, hör mer därtill.
  Sedan är du en del av »Hymn«, Xenia Krisiins debutalbum.

Tidigare opublicerad. Det här är den första, förkastade versionen

Pressrelease: Gavin Maycroft

»Det är saligare att ge än att få.«
  Sålunda talade Aposteln Paulus när han år 54 höll en predikan i staden Miletos.
  Rättframma ord, sanna ord; ord med omedelbar genomslagskraft.
  Människorna vid Paulus fötter – distingerade kristna från den närliggande byn Esefos – tog dem till sig, sög på dem. »Så sant«, nickade deras nackar. »Helt rätt«, sjöng deras själar.
  Sedan bad de tillsammans; bad med gråt i ögonen och sorg i strupen. Därefter bordade Paulus båten till Kos.
  Så långt, så uppdiktat.
  »Det är saligare att ge än att få.«
  Sålunda talar Gavin Maycrofts gärning.
  Sedan 2008 har nämligen Gavin – i egenskap av chef för och enda anställd på Mother Events – gett folk chansen att se utsökta band. Han har även gett folk fantastiska upplevelser, minnen för livet och insikten att man kan göra det själv.
  Att bevista en konsert som Gavin anordnat är helt enkelt julafton.
  Från scenen förkunnar ett band eller en artist den enda sanna musiken; toner från hjärtat och hjärnan, toner med kraft och mening, toner med vilja och mål, toner med känsla och intelligens… Och i publiken står du – och jag – och tar emot, fylls med kraft, förundras, får nya perspektiv…
  Halleluja!
  Vore jag katolik skulle jag yrka för att Gavin snarast borde helgonförklaras.
  Istället ser jag fram emot fem ytterligare år i Mothers varma famn. Fem ytterligare år med spelningar i Stockholms mest möjliga och omöjliga lokaler.
  Fem ytterligare år av givande.
  Tack, Gavin.

Linernotes: Pistol Disco

I have tried to capture Pistol Disco in words before.
  I have compared them to Xinlisupreme, Suicide and Spacemen 3. I have taken my laptop outside and fought alongside their sounds in hypothetical riots. I have torn pages from my own boring diary to shreds in a vain attempt to force relations between an indifferent public and their records. I have banged my head against the wall and poured coffee over my already twitching fingers…
  …yes, I have tried nothing and everything to make Pistol Disco appear as text.
  But so far I’ve failed. Failed miserably.
  Perhaps this is because I’m not a good enough writer? Or perhaps this is because Pistol Disco is one of those bands that simply defy easy categorization? One of those bands that must be heard to be understood?
  You tell me.
  Anyway, what I’m getting at is – of course – that Pistol Disco was fucking amazing. When I first heard them in 2005 I fell unequivocally in love. Here was a two person gang driven by a righteous anger, an all consuming frustration and a keen sense of beauty, rhythm and noise – marry me? And when I put this compilation together – a total honour, by the way – I fell in love with them all over again.
  A rare thing indeed. Some artists enter your life with a bang and leave it with a whimper. Most artists disappoint you sooner or later. Pistol Disco, though, they never let me down. They were there when I needed them. They always delivered the electricity and passion I craved. They were, as I said, always fucking amazing. Even right up to the very end.
  So let us not mourn Pistol Disco, let us instead celebrate them. Because what you hold in your hand – dear buyer – is a piece of the massive puzzle that was Pistol Disco. Cherish it forever, play it extremely loud, let it heal whatever ails you.
  Or, more succinctly; enough of my trials and tribulations in the world of letters.
  Enough of my opinions.
  Now it’s up to you. Presenting: Pistol Disco.

Pressrelease: Scott Mou

Is beauty an inherently melancholic thing?
  Do certain frequencies trigger certain memories?
  Can longing comfort you? Can distance act as a mediator for intimacy?

Questions prompted by “End Times”, Scott “Queens” Mou’s latest full length.

Because “End Times” is, on the one hand, something of a conundrum. The way its songs are constructed out of opposites – light/darkness, movement/stillness, life/death – is remarkable, puzzling. The fact that whenever you listen to it lost loves and lost times begins to act and react in front of you – naked skin, summer nights, vacant eyes, falling rain, fateful tarmac – is an almost magical fact. And the taste it leaves you with – a taste of both ecstasy and sorrow – is intoxicatingly unexplainable.

Suffice to say, “End Times” is a remarkable record.

Sure, Scott has made albums similar to “End Times” before. As Jane – a project he had together with Noah “Panda Bear” Lennox – he for instance realized a handful of releases between the years 2002 and 2005. One of these – 2005’s “Berserker” – was brought out in both LP and CD format by the mighty Paw Tracks label, but most were CD-Rs/objets d’art sold only at Other Music, the record store where Scott and Noah used to work.

In Jane, Scott and Noah paid homage to and expanded upon the rhythms and soundscapes created by the techno vanguard. The lion’s share of their material was recorded in Scott’s apartment in Greenpoint, Brooklyn on cheap equipment – an approach that added extra layers of sincerity and spontaneity to their slow burning dance lullabies.

This approach – this self-made creativity – is also evident on “End Times”. Whenever “Berserker” flows out of your speakers you feel like you’re right there with Scott and Noah; that guitars, drums and vocals are being laid down in front of you, in real time. But “End Times” is even more direct; whenever it flows out of your speakers you’re in Scott’s head.

A wonderful place to be.

A place that gives you all the answers you need.

Because “End Times” is, on the other hand, very straight forward. If you’d like you could put on your music journalist hat and call it an original amalgamation of past works; if you can somehow imagine a mixture between John Fahey’s “The Transfiguration of Blind Joe Death” and “Womblife” and Deathprod’s “Treetop Drive” you’d kind of get its gist.
  But.
  The main reason “End Times” is so amazing, so wonderful, so intelligent, so passionate, so cinematic, so enigmatic is because Scott Mou did it. Simple as that. Remarkable people makes remarkable records. The questions that opened this text will keep hanging in the air…

…until the next Queens’ album.

Pressrelease: Silverarken

Enligt Everett-Wheeler-Grahams metateorem förgrenar sig verkligheten i varje ögonblick. Samtliga möjligheter som följer på en situation förverkligas… i olika universum.
  Otaliga dubbelgångare till dig och mig lever sålunda ut sina liv – ovetande om varandra – i dessa universum. I det här universumet sitter du framför något slags skärm och läser denna text, i ett annat sitter du framför något slags skärm och skriver den, i ett tredje…
  Tanken svindlar.
  Tingen är inte vad de ser ut att vara.

Nu är jag ingen kvantfysiker, men om jag tolkat Everett-Wheeler-Grahams ovanstående tolkning av kvantmekaniken någorlunda korrekt så finns det ett universum där Silverarken är världens mest hyllade band.
  Där skulle jag vilja bo.

Vintern 2009 befann sig multiinstrumentalisterna Karl Sjölund, Miriam Eriksson Berhan (Taxi Taxi!) och Johan Sehlberg i Tyskland för att medverka vid ett forskningsseminarium om Nietzsche. Någonstans om och kring föreläsningarna, panelerna och diskussionerna – hur förhåller sig Nietzsches tidslighet till Deleuzes?, hur spåras det filosofiska tänkandets historicitet tillbaka till Nietzsche? – bestämde de sig för att börja musicera tillsammans.
  Silverarkens första inkarnation – namngiven The Silver Ark efter farkosten som den 24 juli år 1937 skulle föra alla rättrogna Korpelarörelsemedlemmar till Palestina – var ett faktum.
  Låtar följde. Spelningar genomfördes.
  Något saknades.

Vad gjorde du den 7 april, 2012? Om du befann dig i källaren till den synnerligen chosefria restaurangen Snövit – Ringvägen 147, Stockholm – bevittnade du premiärgiget med pånyttfödda/förbättrade/omdöpta Silverarken. Bredvid Karl, Miriam och Johan slöt Gunnar Holmbäck (trummor), Olof Jonsson (synthesizers, Landcrabs), Petter Granberg (gitarr, Mattias Alkbergs Begravning, Norra Kust) och Viktor Skokic (bas, Riedel/Svensson/Skokic) upp och resultatet blev oändligt stor konst.
  Resultatet blev en originell musik byggd på atmosfärisk melankoli, djup rytmik, intelligent lyrik samt omedelbara men ändå intrikata melodier.
  Resultatet blev en konstellation med egna idéer, brinnande rättvisepatos, gudomlig passion, magiska auror, laserskärpa, sonisk originalitet, briljans och funk.
  Resultatet blev helt enkelt något att intensivt och helhjärtat dyrka.

För att liksom fira denna nystart släppte Silverarken den extremt limiterade CD-R:en »The Kurgan Sessions«. I maj 2013 realiserade skivbolaget Alltid Hela Tiden (mitt skivbolag, för övrigt) sedan en split-LP med Silverarken och Målgrupp; »Bara en prins kan rädda oss nu«/»The Young Ones Boogie«.
  Fortsättning följer.
  Någon gång – även i detta universum – kanske jag kommer att få uppleva att Silverarken ådrar sig hyllningar i paritet med hur bra de är; det vill säga att de blir världens mest hyllade band.
  Tanken svindlar.

Linernotes: Elin Franzén

Att mötas är att leva en smula.
  För ett par år sedan – det känns som i går – tipsade en bekant mig om Kitchen Sink Sounds, stockholmsbon Elin Franzéns blogg.
  En fullträff, jag är honom evigt tacksam.
  I Kitchen Sink Sounds – i Elins inlägg om ljud, projekt, studier, vardagsliv och olika kulturyttringar – fann jag nämligen extremt mycket intressant, tänkvärt, välformulerat, roligt och skarpsinnigt.
  Utan en sekunds tvekan lade jag Kitchen Sink Sounds i min RSS-läsare; fortsatte att följa Elin på hennes filosofiska färd.
  För snart två år sedan korsade så denna färd min färd och jag träffade Elin i egen hög person för första gången. Över en kopp kaffe diskuterade vi field recordings och Stockholms musikscen och jag fick bekräftat vad jag länge misstänkt: Elin tycks besitta en intelligens och en kreativitet vi vanliga dödliga blott kan önskedrömma om.
  Dessutom visade hon sig vara en djurvän av rang.
  Nåväl, våra olikheter till trots (förutom det sistnämnda) utmynnade vår sammankomst i en annan lyckad sammankomst; i en field recordings-klubb döpt till Ljuden Omkring Oss och sjösatt den 19 januari 2012 på Bar Brooklyn i Stockholm.
  Du skulle varit där. Eller det kanske du var?
  Personligen anser jag att Ljuden Omkring Oss är svaret »både och, och mer där till« på frågan »är field recordings konst eller dokumentation?«. Genom att DJ:a allt ifrån ruttnande sjögräs via marockanskt gatuliv till näktergalar och sprakande eld för en (mestadels) väldigt öppensinnad publik och i en brusig barmiljö vände vi upp och ner på sammanhang, minnesbilder och förväntningar.
  Ett besök på Ljuden Omkring Oss var helt enkelt en hyllning till ljuden.
  Euforin jag kände när jag gick hem från Bar Brooklyn den natten – »vi gjorde det!«, »det gick bra!« – satt kvar i min kropp i flera dygn.
  Och nu, när jag lyssnar på Elins debutkassett »Det är som musik«, återvänder samma eufori.
  Redan när jag förstod att Elin var på väg att släppa den återvände samma eufori. Vetskapen om att jag snart skulle få sjunka in i den, ge mig hän till den och studera den gav mig gåshud. Faktumet att den kan leda till ett ökat intresse för field recordings – agera inspiration så att någon spelar in något som fascinerar henne/honom – fyllde mitt hjärta med sång. Nyfikenheten på vad Elin skapat den här gången – en förlängning av hennes Oljud Sthlm-projekt?, en remix av hennes masteruppsats »Inspelade platser, berättade liv«? – var nästan för mycket.
  Så det var med fjärilar i magen jag stoppade »Det är som musik« i stereon.
  Men, som underförstått sagt; den gjorde mig inte besviken. De geografiska sammanträffandena som utgör dess collageaktiga ljudväv är så sällsamma, så suggestiva och så fängslande att jag tänker fortsätta spela den tills magnetremsan slits ut. När helst jag tar del av den överrumplas jag av associationer och uppenbarelser.
Helt enkelt känns det som att Elin på » Det är som musik« tar Ljuden Omkring Oss-konceptet ett steg längre genom att ge det ett väl genomtänkt ramverk att existera i. Samtidigt är den ett oändligt mer personligt verk än någonsin Ljuden Omkring Oss.
  Med andra ord är » Det är som musik« oumbärlig.
  Låt dess ljudvågor möta dina öron.
  Möt Elin Franzén.

Pressrelease: Mats Björk

Plötsligt är jag tre och ett halvt år igen.
  Plötsligt sitter jag på ett vardagsrumsgolv och stirrar förundrat in i ett par högtalare.
  Plötsligt har gränserna mellan verklighet, dröm, logik och magi suddats ut.

Mats Björk föddes år 1975 i Huskvarna, Småland. Under andra hälften av nittiotalet började han och lillebrodern Staffan musicera, revolutionera, sinnesvidga och känslostorma tillsammans som Seamonster¹. Efter en resa som bland annat födde fullängdarna »You May Unfasten Your Seatbelts« (Amphibient Broadcasting/Beauty Resources, 1999), »Tsunamin Audio Prism« (Amphibient Broadcasting, 2000) och »Eplektriknastr« (Amphibient Broadcasting, 2002) nådde emellertid Seamonster¹ vägs ände. Men säg den ohejdade kreativitet som går att tygla…

Ända sedan jag blev varse om Mats existens – ända sedan millennieskiftet stod för dörren och jag golvades av »You May Unfasten Your Seatbelts« – har jag sett fram emot nya skivsläpp från hans håll. Och han har aldrig, aldrig, aldrig gjort mig besviken. Åtskilliga är de gånger jag blivit ett med – förlorat mig i, hypnotiserats av – de bisarrt rytmiska och högspänningssprakande ljudlandskapen han skapat i soloprojektet Kompjotr Eplektrika. När det var dags att summera musikåret 2008 satte jag Majessic Dreams folkrockiga »Beautiful Days« (PonyRec) – ett samarbete mellan äkta makarna Mats och Jessica Breitholtz Björk – på toppen av min Årets bästa album-lista.
  Till exempel.
  Så jag hyste inget tvivel om att jag skulle älska »Mats Björk som vågform«. Frågan löd snarare »Hur mycket kommer jag att älska den?«.
  Svaret visade sig vara »oändligt mycket«.

Varför Mats valt att inte ge ut »Mats Björk som vågform« under pseudonym är fullkomligt glasklart – dess djupt personliga/övernaturliga uttryck är så speciellt att det kräver ett korrekt egennamn som avsändare. Att lyssna på »Mats Björk som vågform« är helt enkelt som att lyssna på Mats Björk… med allt vad det innebär.

Mattan bredde ut sig från en vägg till en annan; grön, hård, lite stickig.
  Stereon tronade på en lackad aspbänk; mattsvart, silverglänsande.
  När jag nått koltåldern var detta min hela värld.
  Särskilt när James Hollingworth & Karin Ljungmans LP »Barnlåtar« låg på skivtallriken. Då svävade min unga kropp bland dess toner, melodier, flygarhundar, älgar, ökenrävar och vitaminer. Då lämnade jag verkligen tid och rum bakom mig.
  Allt eftersom tiden gått har jag återupplevt detta sällsamma tillstånd vid otaliga tillfällen. Min skivsamling är full av alster som tar mig med på tripper till helt nya ställen.
  Få har dock tagit mig lika långt som »Mats Björk som vågform«.
  Plötsligt minns jag hur det kändes när jag första gången kärade ner mig i musik.

Nu är det din tur.
  Nu är det din tur att ta del av »Mats Björk som vågform«.
Kanske kommer du att låta den guida dig genom en förälskelse? Kanske kommer du att låta den lyfta dig ur en hjärtesorg? Kanske kommer du att associera den till David Pajos »Pajo« (Drag City, 2005), särskilt eftersom David inför den la ifrån sig alla sina Papa M/Aerial M/M-alias? Kanske kommer du att inspireras till egna stordåd av den?   Kanske, kanske, kanske…
  Helt säkert är i alla fall att du kommer att älska den.